Los discursos del arte contemporáneo

Los discursos del arte contemporáneo

en «la noche estrellada» van gogh contrasta entre:

James Elkins es un destacado profesor de Historia del Arte, Teoría y Crítica en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, y un prolífico autor, con diecinueve libros publicados y numerosas obras en curso. Además, es lectura obligada en los cursos de postgrado y máster de arte, tanto en Estados Unidos como en Europa. Me gustaría destacar, de entrada, su auténtica predisposición metacrítica hacia su propia disciplina, así como su apertura hacia las modernidades y postmodernidades no occidentales. Un buen ejemplo de ello es el último libro editado por James Elkins, Art and Globalization (Pennsylvania State Univ. Press, septiembre de 2010), un ambicioso proyecto de repensar el arte contemporáneo desde la perspectiva de la complejidad de la producción artística a escala global. Lo que sigue es una transcripción editada de una entrevista que tuvo lugar en SAIC (The School of Art Institute of Chicago) el 19 de octubre de 2010.

Loredana Niculet: Me gustaría comenzar estableciendo tres temas referenciales del debate dominante en la teoría del arte actual: la crisis de la crítica de arte, la hegemonía del discurso occidental y la necesidad de nuevos campos para la investigación estética. En What happened to Art Criticism (2003), usted llamó la atención sobre la ubicuidad y al mismo tiempo la invisibilidad de la crítica de arte – «la crítica de arte es masivamente producida y masivamente ignorada», como el arte mismo, podríamos decir. Una de las principales causas de esta condición paradójica es la llamada «academización» del pensamiento crítico. Muchos de los que han trabajado inicialmente como críticos de arte, empezaron a interesarse por la historia del arte y se retiraron estratégicamente hacia los «monasterios» académicos, frente al desmesurado protagonismo del museo -como institución global- y el rápido ascenso del comisario -como nuevo gestor del mundo del arte-. ¿Tenemos razones suficientes para pensar -al contrario que Spinoza que, en 1673, rechazó un puesto de profesor de filosofía en Heidelberg, porque creía que el sistema académico afectaría a su libertad de pensamiento- que hoy en el ámbito académico hay menos restricciones al pensamiento que en otros ámbitos, más expuestos a la industria cultural?

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¿Está perdiendo terreno la crítica de arte frente a Internet y sus blogs de arte, que proliferan rápidamente? ¿Sigue la gente considerando a los críticos de arte empleados por los periódicos y las revistas como los árbitros más importantes de lo que merece la pena ver y leer? Gran parte del debate reciente sobre el cambiante panorama de la escritura de arte, a menudo enmarcado como una crisis de la crítica, ha girado en torno a la pregunta «¿qué es la crítica de arte?» Spaces for Criticism , editado por Pascal Gielen, se pregunta, en cambio, «¿dónde está la crítica de arte?». Los colaboradores de este volumen exploran nuevas formas y nuevos espacios en los que los críticos de arte pueden interactuar con las obras de arte, los artistas, los académicos y un público variado y cada vez más informado. Los autores sostienen que la crítica se ha desplazado a diferentes lugares y etapas, experimentando tanto un desplazamiento hacia nuevos medios como hacia nuevas regiones geográficas y nuevas estructuras institucionales.

definición del discurso del arte

En sentido estricto, el término «arte contemporáneo» se refiere al arte realizado y producido por artistas que viven en la actualidad. Los artistas actuales trabajan y responden a un entorno global culturalmente diverso, tecnológicamente avanzado y multifacético. Trabajando en una amplia gama de medios, los artistas contemporáneos suelen reflejar y comentar la sociedad actual. Cuando se relacionan con el arte contemporáneo, los espectadores se enfrentan al reto de dejar de lado preguntas como «¿Es buena una obra de arte?» o «¿Es una obra estéticamente agradable?». En su lugar, los espectadores consideran si el arte es «desafiante» o «interesante». Los artistas contemporáneos pueden cuestionar las ideas tradicionales sobre cómo se define el arte, qué constituye el arte y cómo se hace el arte, al tiempo que crean un diálogo con -y en algunos casos rechazan- los estilos y movimientos que les precedieron.

Desde principios del siglo XX, algunos artistas se han alejado de la representación realista y de la figura humana y se han acercado cada vez más a la abstracción. En Nueva York, después de la Segunda Guerra Mundial, el mundo del arte acuñó el término «expresionismo abstracto» para caracterizar un movimiento artístico que no era ni completamente abstracto ni expresionista. Sin embargo, el movimiento desafiaba a los artistas a poner más énfasis en el proceso de hacer arte que en el producto final. Artistas como Jackson Pollock llevaron la creación de arte a cotas coreográficas, goteando pintura en gestos grandiosos pero espontáneos. Como señaló un crítico, el lienzo era un escenario en el que actuar: «lo que ocurría en el lienzo no era un cuadro, sino un acontecimiento». Esta noción del arte como acontecimiento surgió del movimiento llamado expresionismo abstracto, que influyó enormemente en los movimientos artísticos que le siguieron y sigue inspirando a los artistas actuales.

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